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Una auténtica obra de arte
Todos nuestros cuadros son reproducciones digitales de auténticas obras de arte. Las imprimimos sobre los mejores lienzos de algodón 100% del mercado y utilizando la última tecnología de impresión para un acabado impecable. Comprueba las calidades y acabados de nuestros cuadros y te darás cuenta de la auténtica diferencia respecto a nuestros competidores.
Lienzo Algodón 100%
Sólo utilizamos telas 100% algodón, de los mejores fabricantes, con una densidad de 360gr/m2, para garantizar una imagen lo más real posible a la obra original. Son los mismos lienzos utilizados por los pintores y museos para las reproducciones de sus obras.
La textura del lienzo resalta la obra de arte y se consigue lo más cercano al aspecto de una pintura original.
Impresión Full HD - Fine Art - Giclée
Imprimimos las obras de arte utilizando la técnica de impresión por Giclée, la mas más avanzada actualmente, lo que permite una resolución, nitidez y colorido insuperables. Utilizamos impresoras gran formato con la más moderna tecnología y tintas ecológicas.
Bastidor de madera fabricado a medida
Montamos todos nuestros cuadros sobre un bastidor de madera de abeto alistonado de 3 x 3 cm / 3 x 4.5 cm. Esta madera es ideal para la fabricación de bastidores ya que al ser alistonada refuerza el bastidor y evita deformaciones del mismo debido a la tensión del lienzo.
Todos nuestros bastidores son fabricados artesanalmente a mano, uno a uno, a la medida deseada por el cliente. Van reforzados por tensores en las esquinas cortadas en inglete y, junto a su grapado en V y sus barras tensoras para medidas de más de 1 metro, garantizan un bastidor de madera duradero.
Más información sobre la Obra Madonna di Loreto
Madonna di Loreto
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Madonna di Loreto
Barroco
Más información sobre el pintor Michelangelo Merisi
Michelangelo Merisi, a quien el mundo del arte conoce como Caravaggio, irrumpió en la escena romana a finales del siglo XVI, un período efervescente y complejo. La Contrarreforma marcaba el pulso cultural, buscando un arte que conmoviera y reafirmara la fe, y él lo entregó, aunque a su manera. Su pintura no era la idealización académica que se esperaba; era cruda, visceral, con una humanidad que a veces escandalizaba, pero siempre cautivaba. Lo que hace a Caravaggio singular frente a sus coetáneos es su audacia para pintar la vida tal cual era, sin filtros. Fue un maestro del tenebrismo, esa técnica donde el contraste entre luces y sombras es tan intenso que las figuras parecen emerger de la oscuridad, dotándolas de un dramatismo y una presencia física inigualables. Sus santos y mártires no eran etéreos, sino hombres y mujeres de la calle, con sus arrugas, sus pies sucios y sus emociones a flor de piel. Esta elección de modelos, a menudo gente común, incluso prostitutas, para representar escenas sagradas, era un gesto de realismo que muchos consideraron irreverente. Entre sus obras más potentes, La vocación de San Mateo en la Capilla Contarelli de San Luis de los Franceses en Roma, es un testimonio de su genio. La luz que entra diagonalmente, señalando a Mateo, transforma un momento cotidiano en una epifanía divina. Igualmente impactantes son La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo, donde el dolor y la revelación se sienten casi físicamente. Su David con la cabeza de Goliat es un autorretrato psicológico, una reflexión sobre la culpa y la redención que resuena aún hoy. Su vida fue tan turbulenta como sus lienzos. Un dato curioso es que Caravaggio, un hombre de temperamento volátil, se vio envuelto en numerosas reyertas. En 1606, tras matar a un hombre en una pelea, huyó de Roma y pasó sus últimos años como fugitivo, pintando con una intensidad febril mientras buscaba el perdón papal. Murió en Porto Ercole en circunstancias aún no del todo claras, intentando regresar a la ciudad que lo había encumbrado y condenado. El crítico Giovanni Pietro Bellori, en el siglo XVII, comentó sobre él: 'Caravaggio, que no seguía los preceptos del arte, sino que se limitaba a imitar la naturaleza, sin elegir lo mejor, sino lo que se le presentaba a la vista.' Su legado es el Barroco en su forma más dramática y humana, un estilo que influiría a generaciones de artistas, los llamados caravaggistas. Sus obras, principalmente pintura religiosa, escena de género y bodegón, ejecutadas al óleo sobre lienzo sin bocetos previos, siguen conmoviendo por su verdad y fuerza emocional.
Más información sobre el gérero artistico Barroco
El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura,arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo. Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII yXIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX porJacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750). Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.