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Bordes Estirados / Listo para colgar
Los 3 cm. de grosor de cada lateral del marco van impresos con una pequeña zona de la imagen cercana a los bordes, la cual es estirada para dar una sensación de continuidad de la misma.
Producto en stock / Envío gratuito inmediato
Cuadros prefabricados en cuatro medidas (pequeño, mediano, grande y extragrande), con stock continuo y con un precio reducido para que puedas tenerlo en casa en el menor tiempo posible.
Una auténtica obra de arte
Todos nuestros cuadros son reproducciones digitales de auténticas obras de arte. Las imprimimos sobre los mejores lienzos de algodón 100% del mercado y utilizando la última tecnología de impresión para un acabado impecable. Comprueba las calidades y acabados de nuestros cuadros y te darás cuenta de la auténtica diferencia respecto a nuestros competidores.
Lienzo Algodón 100%
Sólo utilizamos telas 100% algodón, de los mejores fabricantes, con una densidad de 360gr/m2, para garantizar una imagen lo más real posible a la obra original. Son los mismos lienzos utilizados por los pintores y museos para las reproducciones de sus obras.
La textura del lienzo resalta la obra de arte y se consigue lo más cercano al aspecto de una pintura original.
Impresión Full HD - Fine Art - Giclée
Imprimimos las obras de arte utilizando la técnica de impresión por Giclée, la mas más avanzada actualmente, lo que permite una resolución, nitidez y colorido insuperables. Utilizamos impresoras gran formato con la más moderna tecnología y tintas ecológicas.
Bastidor de madera fabricado a medida
Montamos todos nuestros cuadros sobre un bastidor de madera de abeto alistonado de 3 x 3 cm / 3 x 4.5 cm. Esta madera es ideal para la fabricación de bastidores ya que al ser alistonada refuerza el bastidor y evita deformaciones del mismo debido a la tensión del lienzo.
Todos nuestros bastidores son fabricados artesanalmente a mano, uno a uno, a la medida deseada por el cliente. Van reforzados por tensores en las esquinas cortadas en inglete y, junto a su grapado en V y sus barras tensoras para medidas de más de 1 metro, garantizan un bastidor de madera duradero.
Más información sobre la Obra Perro que miente en la nieve
Perro que miente en la nieve
Perro que miente en la nieve es una obra del artista alemán Franz Marc creada en 1910. Esta pintura al óleo representa a un perro tendido en la nieve mirando al cielo. La obra se caracteriza por sus colores brillantes y saturados, que son una marca distintiva del estilo del artista.Franz Marc fue uno de los fundadores del movimiento expresionista alemán y sus obras se caracterizan por la utilización de formas y líneas curvas y la búsqueda de la expresión emocional. En Perro que miente en la nieve, Marc transmite la placidez y tranquilidad que siente el perro mientras disfruta del paisaje natural.La obra ha sido interpretada como una muestra del amor de Marc por los animales y la naturaleza, algo que se puede apreciar en muchas de sus obras. Esta pintura es un claro ejemplo del estilo de Marc, ya que logra transmitir la sensación de serenidad y paz que se desprende del animal descansando en medio del paisaje nevado.Si eres amante del arte y deseas tener esta obra en tu hogar, te ofrecemos la oportunidad de obtener una de nuestras reproducciones en alta calidad en nuestra tienda de cuadros famosos. ¡Hazte con un Perro que miente en la nieve de Franz Marc y disfruta de su tranquilidad y armonía cada día en tu hogar!
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Perro que miente en la nieve
Expresionismo
Más información sobre el pintor Franz Moritz Wilhelm Marc
Franz Marc no solo pintó animales; los sintió, los habitó. En la Alemania de principios del siglo XX, un país en ebullición cultural y al borde de la guerra, Marc buscaba una espiritualidad profunda, una conexión con lo primario que la modernidad parecía haber olvidado. Fue cofundador de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) junto a Wassily Kandinsky, un movimiento que anhelaba una expresión artística más allá de lo meramente visible, una ventana al alma. Su obra se distingue por una empatía singular hacia el reino animal. No los representaba como objetos, sino como seres con una vida interior rica, con emociones y un lugar místico en el cosmos. Sus "Caballos Azules", como "El caballo azul I" o "Los grandes caballos azules", son más que equinos; son símbolos de fuerza, pureza y una conexión ancestral con la tierra. Los bañó en un azul que para él era lo espiritual y masculino, una elección cromática cargada de intención. Un aspecto fascinante de su proceso creativo fue su teoría personal del color. Franz Marc asignaba significados específicos a cada tono: el azul encarnaba lo masculino, lo austero y espiritual; el amarillo, lo femenino, suave y sensual; y el rojo, la materia brutal, un color que los otros dos debían dominar. Esta codificación infundía a sus lienzos, a menudo óleos, una carga emocional y filosófica que trascendía lo visual, transformando cada pincelada en un lenguaje. Obras como "El tigre" o "Destinos de los animales" nos invitan a sentir la energía y la vulnerabilidad de la creación, a reflexionar sobre nuestro propio lugar en el mundo natural. Marc se inspiró en la audacia de artistas como Vincent van Gogh y Paul Gauguin, y en la vibrante paleta de Robert Delaunay, para forjar un estilo propio dentro del expresionismo, centrado en la armonía y el simbolismo del color. Él mismo afirmó: "El arte es una expresión de la vida, y la vida es una expresión de Dios." Su visión, arraigada en la pintura animalista y el paisaje, evolucionó hacia una abstracción lírica, donde las formas se simplificaban para capturar la esencia. Su técnica principal fue el óleo sobre lienzo, aunque también exploró otras. Su carrera se vio truncada trágicamente en el frente de Verdún en 1916, con solo 36 años. A pesar de su corta vida, el legado de Franz Marc perdura. Sus lienzos, llenos de color y de una profunda conexión con la vida, siguen siendo un faro para quienes buscan en el arte no solo belleza, sino también significado y una reflexión sobre nuestra relación con el mundo natural.
Más información sobre el gérero artistico Expresionismo
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior. El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall,Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.